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王一辛是一位活跃于国际舞台的先锋表演艺术家与演员，长期以身体为核心媒介，在实验剧场与沉浸式结构中探索个体、权力与观看关系之间的张力。她的作品曾在纽约La MaMa、林肯中心等重要艺术场域呈现，并入选多个国际展演与艺术项目平台。原创作品在美国、韩国与中国多地完成跨文化演出与巡展，在不同语境中持续引发观众讨论与评论关注，展现出其舞台表达的跨地域穿透力与持续发展能力。其创作不仅停留于形式创新，更在结构层面不断推演，通过版本迭代与身体重构，使作品在不同文化空间中保持鲜明的思想强度。作为演员与创作者，王一辛的实践不仅关注个体经验与社会规训之间的冲突，更致力于打破传统观演边界，让观众在沉浸式现场中成为结构的一部分。她将舞台转化为一种现实机制的缩影，使表演既具有美学强度，也具有思想锋度，在当代跨文化艺术语境中形成持续发声。
过去一年，王一辛创作并主演的沉浸式肢体剧《白宴》从线上到线下，完成了一次跨越文化语境的巡演：作品入选Mark DeGarmo Dance 2025 Virtual Salon在洛杉矶首演，到受邀在韩国CICA Museum演出，随后落地北京南阳共享际“艺术家客厅”项目。三种文化背景，三批观众，却几乎一致地给出一个关键词——“揪心”。
Q：《白宴》究竟讲述了什么？
王一辛： 它讲的是一个年轻女孩在甜美诱人的幻象中逐步觉醒的过程。她面对的不是某一个具体的人，而是一整套被语言、仪式和美学精心包装的系统。那些“温柔的话语”掩盖真实目的，以“爱”“幸福”为名，将她推入一个华丽却压抑的梦境。
观众以“赴宴宾客”的身份入场，婚礼正在进行。新娘沉默不语，被两位司仪像提线木偶般操控。她被强行塞进婚纱、穿上高跟鞋，被摆成各种姿态。观众为她贴花、化妆、递上戒指。看似热闹欢快，实则暗流涌动。
有观众写道：“本以为是欢快的喜剧，没想到全程都很揪心。”这正是我希望制造的落差——甜美外壳与压抑现实之间的张力。“身体比语言更诚实”
Q：你既是导演也是主演，作为演员，你如何构建这个角色？
王一辛： 我从来没有把她当成“受害者”来演。她更像一个正在被塑形的身体。起初，她的眼神是空的，动作是被推动的，肌肉甚至有一种被驯化后的条件反射。观众形容她“像无头苍蝇一样寻找方向”“被拖行、爬行、狼吞虎咽地吃蛋糕”，这些都是精确设计的身体节奏。
在排练中，我大量训练呼吸、重心与肌肉控制。比如抽搐不是情绪化的“演出来”，而是让身体在高压节奏下自然失控。觉醒的瞬间也不是突然爆发，而是从微小的呼吸变化开始——肩膀的松动，脚步的停顿，视线的回望。
有观众特别提到：“她在光下一步一步缓慢走来，看向四周宾客，似审视、似痛诉、似批判。”那一刻其实是身体第一次真正拥有主动权。凝视被反转。观众：我们是在见证，还是在参与？
Q：观众的互动是这部作品的重要部分。你怎么看待这种参与？
王一辛： 互动不是装饰，而是结构。观众为新娘贴花、画妆、戴戒指。有人在给她画眼影时低声说：“我救不了你了。”有人把戒指戴在她右手小拇指上——那是一种微妙的抵抗。
但更多时候，观众也会意识到自己的“共谋”。当大家举起手机记录，当镜头贴在墙上实时播放，戏里戏外的边界被模糊。我们是在清醒见证，还是在完成一次围观？
一位观众写道：“当演员如玩偶般被恣意摆弄时，在场的每一位观众都无法置身事外。”这种不适感正是作品的核心。灵感来源与思想脉络
Q：创作灵感从何而来？
王一辛： 最初是一个画面：一个少女站在巨大的婚礼蛋糕上，周围掌声与花瓣飞舞。我看到的却是脚下甜腻而虚假的结构。
我受到《房思琪的初恋乐园》和《素食者》的影响。前者作者是林奕含，后者出自韩江。她们用诗意语言书写残酷现实。而在《白宴》中，我绕开语言，直接用身体作为表达工具。因为有时语言本身已经成为包装。
这部作品不仅关于性别。它关乎一种更隐秘的社会逻辑：我们习惯用仪式掩盖暴力，用美学合理化规训，用沉默换取安全。演员的极限：把痛感“具身化”
Q：很多评论都惊叹于你的身体表现力。
王一辛： 肢体剧对演员要求极高。你必须在高度控制下保持真实性。痛感不能是假的，否则观众会立刻抽离。
有观众说，“肢体表达竟然可以如此写实”，还有人说“想冲上去救她”。这种冲动说明身体层面的共情已经发生。那不是通过台词，而是通过呼吸、重量、节奏传递的。
但对我来说，更重要的是角色的复杂性。她并非一直清醒，也并非彻底胜利。她有反抗、有逃离、有片刻的强大，但最终仍被拉回系统之中。因为这不是童话。一场宴席，三种文化
从洛杉矶首演，到首尔，再到北京胡同里的限时空间，《白宴》在三个国家呈现。文化语境不同，但身体的震动是共通的。
在韩国，有观众提到《素食者》的共鸣；在北京，有人说“第一次在结束时想给女主一个拥抱”。不同语言，却相似情绪。“下一位新娘是谁？”
采访最后，王一辛停顿片刻。
“婚礼结束后，司仪会说——后面还有张小姐的婚礼。” 她轻声重复这句台词。
“这不是一个人的故事。系统不会停止。问题是——当我们坐在桌边时，我们是谁？”
在甜美糖霜与撕裂白纱之间，《白宴》让观众无法轻易离场。它不是一次安全的观看，而是一场身体参与的审视。或许，当灯光熄灭，真正的提问才刚刚开始。
Q：很多观众提到“觉醒”的瞬间极其震撼。
王一辛： 是的。她的觉醒不是来自理性思考，而是来自身体的不适。她的呼吸开始紊乱，她的肌肉产生反射，她试图挣脱那些花朵、誓言与甜点。她站在桌子上，缓慢地看向每一位观众——那一刻，凝视发生了逆转。
我很在意“凝视”这个议题。我们以为自己只是旁观者，但当你为她贴花、为她化妆、为她举起手机时，你已经参与其中。我们到底是在见证，还是在帮忙完成一场规训？
Q：你如何理解这部作品的主题？是关于性别吗？
王一辛： 它当然与女性经验有关，但我并不想把它简化为“男人伤害女人”的故事。对我来说，这是一种更隐秘、更普遍的社会逻辑——我们习惯用漂亮的话包装欲望，用仪式掩盖暴力，用沉默换取认同。一个年轻女孩的成长，被悄无声息地引导进入某条看似“正确”的轨道。
婚礼只是一个高度象征化的场域。它既浪漫又制度化，既个人又公共，非常适合承载这种张力。
Q：《白宴》的沉浸式形式有什么特别之处？
王一辛： 我们打破传统舞台边界，把剧场变成“戏剧餐厅”。每场限定40人。观众不仅是观看者，更是赴宴的“宾客”。所谓“餐食”并不是普通配餐，而是概念线索——“誓言”“欲望”“众人的目光”。你通过“品尝”进入剧情。
五感沉浸、极致美学，是我们刻意打造的体验。从纯白餐桌到撕裂的糖霜蛋糕，每个场景都是一幅暗黑美学画面。但在美学之下，是不安，是压迫，是提问。
Q：作品已经在三个国家呈现，你感受到差异了吗？
王一辛： 有，但也没有。文化语境不同，观众反应不同，但那种身体层面的共情是共通的。有观众说，全程想冲上台“救她”；也有人说，在为她贴花时突然意识到自己的角色。这种复杂情绪让我觉得作品成立。Q：在这个创作过程中，你有没有特别想感谢的人？
王一辛： 有，而且是非常真诚地想说出来。
第一个是陈逸然（Amelia）。她是我本科和研究生的同学，也是我舞台创作道路上最扎实的伙伴之一。她现在在纽约工作，是声音设计师、录音师和音频工程师。
从《白宴》在洛杉矶的初版，到后来面向北京观众的版本调整，她始终参与其中。我们反复讨论声音结构——呼吸如何被放大、餐具敲击的频率如何制造压迫、环境音如何形成“规训感”。很多观众提到“叉子敲盘子的声音让人不适”“BGM让觉醒段落像韩剧复仇女主般震撼”，这些并不是偶然。
Amelia用极其专业的声音设计，把那些看不见的结构变成可听见的压迫。她帮我把身体的节奏延伸到声场，让观众在听觉层面也无法逃离。对我来说，她不仅仅是技术支持，而是共同完成叙事的人。
第二位是曲直，我的研究生同学。我们一起合作过很多舞台作品。这一次，他几乎没有犹豫就加入了《白宴》，成为现场演员之一。
相比第一版的结构，他的加入让“司仪”这个角色更加立体。他的表演不是单一的压迫者形象，而是一种温柔而机械的推进者——他认真整理桌布、温和地讲流程、维持秩序。这种克制的处理反而更有力量。
有观众写到，“最讽刺的是司仪始终在整理桌布，新娘的感受还没有一块整洁的餐桌布重要。”这种感受的成立，与演员的精确控制密不可分。
曲直的存在让观众更容易进入结构，而不是停留在情绪。他让这场“婚礼”看起来合理，从而更令人不安。
对我来说，他们不是辅助角色，而是这个作品不可或缺的构成部分。
Q：如果用一句话概括《白宴》，你会怎么说？
王一辛： 它是一场暗黑宴席。我们每个人都坐在桌边。问题是——下一位新娘，会是谁？
在甜美与压抑交织的空间里，《白宴》没有给出答案，只留下一个持续回响的提问。当灯光熄灭，仪式结束，观众带走的不只是震撼，而是一种关于自我与系统关系的长久思考。
主创团队
编剧：王一辛
导演：王一辛
演员：王一辛 曲直 李雨轩
执行制作：刘心竹
舞蹈编导：秦子乾
舞台设计：赵宇航
灯光设计：李彦亮
多媒体设计：Jack Callahan
声音设计：陈逸然
舞台监督：刘馨遥
宣传策划：宋格瑄 林姗羽
以下为图片
图1-3: Are You the Last Slice? 洛杉矶剧照
图4-5: Are You the Last Slice?海报&概念照
图6: 白宴北京海报
图7-14: 白宴剧照
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